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拍戏，可以是完全准备后的精雕细琢。
比如大片时代的电影和电视剧，就一定是人物场景道具，每一个都准备充分之后的一项工业化的品。
也可以是毫无剧本的灵感发挥。
这一点在旧港片时代体现得淋漓尽致。
上一世，仙剑因为角色确定的关系，时间拖的很长，其他几组都已经开拍了，主演才临时确定。
更有拍了几集才发现，演阿奴的安以轩，和演林月如的刘品言，比对方更适合各自角色的问题。
然后又将前面的拍摄废，选择了临阵换角。
这也是仙剑后来预算多次超支，拍摄进度一拖再拖的原因。
更是让仙剑错过了上星的关键窗口期。
至于完整的剧本，就更是没有。
很多时候主演到了现场，都不知道今天演的哪一场。
编剧都得跟着主演一起，一边写戏，一边给他们讲解剧情。
这更导致了拍摄过程中，肉眼可见的一些粗制滥造。
尤其年轻演员，因为缺少对剧情和人物的了解，有许多表情僵硬，动做的场面。
这当中最大的原因，还是那句话，仙剑这个剧组，说话的人太多了。
当初王元提交了仙剑第一版后，剧组不满意。
基本将全部剧情推翻了重新来写。
这当中又加入了多位编剧，其中就有西街少年的编剧团队，和后来主导仙剑三的编审邓子山。
仙剑剧本在经过三次推翻之后，最终才形成了后来拍摄的骨架。
也就是以儒释道，三家思想为碰撞的核心，李逍遥赵灵儿一群人成长为故事的主旨。
并在这个基础上，一点一点的去拍摄并完善，丰满各个人物。
这一次，因为有沈涛的介入。
历史在第一个版剧本那里就拐了个弯。
过早的确定了剧本，再根据需求去套用人物，也就让各方面进度快了更多。
最重要的是，能让演员有时间去揣摩角色、和进行额外的练习。
比如沈涛就在进组之前，被剧组安排去了什刹海武校，进行了为期十天的武打练习。
不能说这种突击训练有多少成效，却可以让演员在表演中，最起码能做得似模似样。
在有了一定基础后，剧组的安排也不用那么仓促。
上一世，演员经常是连轴转，白天拍完了根本不休息，立马就得连夜拍晚上的。
剧中的武打戏，能用替身的基本全用替身，到主角部分，就全是固定旋转镜头，或者进景特写镜头。
这样速度是快了，可表演细节就没法推敲了。
这一次手里有剧本，又让演员提前进行了练习，拍摄起来少了镜头切换，不但效率更高了，成片效果也能更好。
四位导演依然分成多组人，文戏、武戏、白戏、夜戏。
基本各有分工，拍摄起来不冲突，演员也能有更多时间去休息。
比如麦贯之就带着酒剑仙一群人，提前去了ls市。
剧组就像一台组装的马车，当各个零件都有充足容错空间的时候，一部戏的拍摄进度就会特别的顺。
不得不说，李国立在上一世那种混乱的情况下，还能把仙剑拍成经典，不愧是在香江那种混乱地方，磨练出来的导演。
仙剑其实并不同于传统的武侠剧，也不同于后来的仙侠古偶剧。
它其实是一部在仙侠背景下，探讨人生、社会、友情、爱情、师徒、zj等宏大议题的青春剧。
比如将拜月教换成罗马的教派，不但没有丝毫为何，反倒能更容易让人理解。
尤其是pua刘晋元的那一段。
台词中全程说着公平、交换，可骨子里却尽是傲慢和偏激。
夜，清明上河图景区的一间大宅里。
外面剧组还在忙着铺设场景，今晚有两场重头戏要一起拍。
只是一场是室内，一场是室外。
沈涛、刘亦非、袁红、徐锦浆几位今晚的主演，围在一个小太阳身边烤着火。
“沈老师，对于拜月这个人物，我还是有些没想明白，就是他前面努力了这么多，为什么最后他会那么轻易的死去。”
外表粗犷的徐锦浆，说起话来有些细声细语的。
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